비디갤러리에서는 4월 15일부터 5월 19일까지 안광식, 윤국희, 이효연, 황호석 작가의 4인전인 <사유의 봄: 계절에 머물다>를 진행한다. 계절이 머무는 자리에서 사유는 천천히 깊어진다. 본 전시는 자연과 시간, 기억과 감정이 교차하는 지점에서 생성된 각기 다른 감각의 형상을 보여준다. 화면 위에 스며든 흔적과 색, 반복과 변주의 구조는 익숙한 세계를 낯설게 환기하며, 사소한 순간들에 잠재된 의미를 드러낸다. 이는 재현을 넘어 내면과 세계를 잇는 사유의 흐름으로 확장되며, 머무름 속 비로소 드러나게 되는 감정의 깊이를 보여준다.
안광식 작가는 빛이 빚어내는 자연의 기억과 감각을 화면에 풀어놓는다. 작가에게 자연은 멀리서 지켜보며 내면화하는 그리움의 대상이다. 기억의 여과기를 거쳐 바래진 무채색의 색조는 이내 하얀 여백으로 비워지며, 관객에게 정적인 고요와 마음의 정화를 선사한다. 작가의 작업은 동양화의 물성에서 착안한 끈기 있는 노동의 산물이다. 스톤 파우더와 젯소를 섞어 오십여 차례 덧칠한 바탕 위에 유화를 겹겹이 스며들게 함으로써, 작가는 단순한 시각적 깊이를 넘어 투명하게 비치는 내면의 층위를 쌓아 올린다. 이름 없는 들꽃과 항아리에 투영된 한국적 정서는 채우는 것이 아닌 지우고 남겨진 흔적을 통해 비로소 완성된다. 또한 작품 속 시들지 않는 꽃과 풀, 고고함이 스며있는 항아리에 영원히 지속되는 유산과 같은 우리의 정서와 향기를 담아낸다.
윤국희 작가는 자연의 색과 형상을 통해 일상의 감정과 기억을 시각화하는 작업을 이어간다. 작가에게 있어 꽃과 식물은 단순한 피사체가 아닌 정서와 시간을 담는 그릇이며, 유기적 구조 속에서 반복과 변화, 탄생과 소멸의 리듬을 품는다. 작가는 그 안에서 자신의 감정을 투영하고 읽어낸다. 색채는 작업의 중심 언어로서 감정의 온도를 드러내며, 말로 표현하지 못한 기억과 마음의 결을 전한다. 수채화의 투명함, 과슈의 밀도, 아크릴의 확장성을 넘나드는 혼합 매체는 고정된 형식을 벗어나 감정의 스펙트럼을 더 자유롭게 펼치게 한다. ‘Blossom colorful things’ 시리즈는 이러한 색과 레이어를 통해 내면의 감정과 위로의 풍경을 형성하며, 머무르고 싶은 감각적 공간을 보여준다.
이효연 작가는 회화를 통해 하나의 세계를 재현하기보다, 세계가 구성되는 방식을 탐구한다. 작품에서 현실과 비현실은 이분법적으로 구분되지 않고, 서로를 참조하는 구조 속에서 병존한다. 일상에서 출발한 장면들은 의도적으로 조정된 거리와 구성으로 재배열되며, 익숙한 현실의 안정성을 미묘하게 흔든다. ‘마콘도(Macondo)’라는 개념적 장소는 기억과 상상, 개인적 경험과 집단적 서사가 중첩되는 장으로 작동하며, 시간은 반복과 회귀의 방식으로 조직된다. 이러한 반복과 차이는 의미를 고정하는 것이 아닌 반복되는 패턴을 끊임없이 생성하고, 그 속에서 미세한 변형을 축적한다. 마콘도에서 회화는 재현의 결과물이 아니라 사유가 발생하는 플랫폼이다. 이 작업들은 단일한 해석을 제시하기보다, 반복과 차이, 패턴과 어긋남의 관계 속에서 각기 다른 읽기 가능성을 열어 둔다.
황호석 작가는 모두에게 동일히 주어진 시간의 흐름 속에서 쉽게 스쳐 지나가는 순간과 감정에 주목한다. 작가의 작업은 인식되지 못한 채 소비되고 사라진 순간들을 메모하듯 수집하고, 이를 회화로 치환하는 과정에서 출발한다. 작가는 평범하고 사소하게 여겨졌던 시간들이야말로 삶을 구성하는 본질적 요소임을 환기시키며, 주변인과의 관계 속에서 발생하는 다양한 감정들을 화면 위에 복원한다. 더 나아가 사소한 장면과 기억의 흔적을 붙들며, 무심히 흘러간 시간에 새로운 의미를 부여하는 기록이자 개인적 서사를 통해 보편적 공감을 이끌어내는 사유의 장으로 확장한다.
Vidi Gallery presents Spring of Contemplation: Dwelling in the Season, a group exhibition featuring Kwang-sik An, Guk-hee Yoon, Hyo-youn Lee, and Ho-seok Hwang, on view from April 15 to May 19.
In a temporal space where the season holds, this exhibition traces the unfolding of contemplation through duration. The works emerge from intersections of nature and temporality, memory and affect, proposing distinct perceptual formations that unsettle the familiarity of the everyday. Traces, chromatic residues, and iterative structures of repetition and variation operate not as mere formal devices, but as agents that reconfigure perception—rendering the habitual strange and disclosing latent meanings embedded within the minor and the overlooked. In this sense, the exhibition departs from representation as an end, extending instead toward a field of thought in which interiority and the external world are continuously negotiated. What becomes visible here is not simply an image, but the depth of affect that surfaces only through acts of dwelling.
Kwang-sik An’s practice articulates a poetics of light through which memory and sensation are refracted into painterly form. Nature, for the artist, is not an immediate presence but a distanced object of longing, internalized through recollection. The near-achromatic tonalities, filtered through memory, dissolve into expanses of white, producing a spatial and perceptual condition of suspension. Rooted in the material logic of East Asian painting, the work is structured through an accumulative process: layers of oil paint seep into a ground repeatedly built up with stone powder and gesso. This sedimentation produces not only optical depth but a translucency suggestive of interior strata. The Korean sensibility embedded in wildflowers and vessels does not assert itself through fullness, but through subtraction—through what is erased and what remains. In this economy of absence, the image holds an enduring affective charge, akin to a residue that resists temporal decay.
Guk-hee Yoon’s work engages the organic as a site where affect, memory, and temporality converge. Flowers and plants function not as representational motifs but as vessels that contain rhythms of repetition and transformation—cycles of emergence and disappearance. Within these structures, the artist inscribes subjective states, allowing affect to circulate through color as its primary modality. Chromatic intensity becomes a measure of emotional temperature, articulating registers of experience that exceed linguistic capture. The deployment of mixed media—ranging from the translucency of watercolor to the density of gouache and the expansiveness of acrylic—disrupts medium-specific constraints, enabling a more fluid articulation of affective spectra. In the Blossom Colorful Things series, layered color constructs immersive perceptual fields that oscillate between interior landscape and external form, proposing spaces of temporary inhabitation.
Hyo-youn Lee interrogates the conditions under which a world is constituted within painting. Rejecting a binary between the real and the unreal, her work stages their coexistence within a relational structure of mutual reference. Scenes derived from quotidian experience are reconfigured through calibrated shifts in distance, scale, and composition, subtly destabilizing the epistemological ground of the familiar. The conceptual locus of “Macondo” operates as a heterotopic site in which personal memory intersects with collective narrative, and where time is organized not linearly but through repetition and return. Within this framework, repetition does not stabilize meaning; rather, it generates differential patterns that accumulate variation. Painting, here, is not the representation of a pre-given reality but a discursive platform through which thought is produced. The works resist closure, instead sustaining a plurality of readings through the dynamic interplay of pattern and deviation.
Ho-seok Hwang’s practice attends to the unnoticed—those fleeting moments and affects that dissipate within the continuous flow of time. His work begins with the collection of such ephemeral fragments, akin to a form of mnemonic notation, which are subsequently translated into painterly form. In doing so, the artist foregrounds the minor as constitutive, suggesting that what is most easily overlooked forms the very texture of lived experience. The pictorial surface becomes a site where relational affects—emerging through encounters with others—are reconstructed and rearticulated. By holding onto fragments that would otherwise vanish, Hwang reassigns value to the transient, transforming it into a record that is at once personal and collectively resonant. His work thus expands into a space of contemplation where individual narrative becomes a conduit for shared affect.