비디갤러리에서는 10월 1일부터 10월 22일까지 김진영, 정석우 작가의 2인전인 <어느 날의 빛은 천천히>를 진행한다. 이번 전시는 비움과 축적, 변화와 흔적의 관계를 통해 회화가 자연의 존재를 풀어내는 과정을 살펴본다. 서로 다른 방식으로 물질과 환경을 탐구해온 두 작가의 작업은 화면을 고정된 이미지가 아닌, 시간과 감각이 머무르고 변화하는 장으로 확장한다. 비어 있는 공간과 쌓여가는 물질, 우연히 남겨진 흔적은 서로 긴장하며 하나의 리듬을 만들고, 그 안에서 자연과 인간의 관계가 새롭게 드러난다. 관람자는 작품을 바라보는 동시에 그 변화의 흐름 속에서 익숙한 이미지 너머에 감춰진 새로운 의미를 발견하게 된다.
김진영 작가는 비움, 물질성, 빛, 시간, 그리고 존재 사이의 관계를 탐구한다. 작가는 자연을 재현하기보다, 자연을 바라보고 사유하는 경험을 수평적 구조, 물질의 축적, 열린 공간이라는 추상적 언어로 전환한다. 현재 작업의 중심에는 '허실생백(虛實生白)'이 있다. 이때 작가는 회화를 통해 ‘비움이 하나의 생성적 공간이 되는 것’으로 독자적으로 재해석한다. 화면의 열린 공간은 수동적인 배경이나 부재로 다루어지지 않는다. 그것은 '빛과 공기, 시간과 지각이 발생할 수 있는 능동적인 장(場)'으로 기능한다. 작품의 수평적 구성은 특정한 풍경을 재현하지 않는다. 대신 대지와 하늘, 밀도와 개방성, 존재와 부재 사이에 하나의 문턱을 형성한다. 화면 하단에 축적된 물질은 무게와 기반을 부여하고, 중앙의 열린 공간은 작가가 말하는 ‘호흡의 장’을 만들어낸다. 궁극적으로 김진영 작가의 회화는 물질적 존재와 비움이 함께 공존하는 고요하지만 능동적인 공간을 제안한다. 관람자는 단순히 하나의 이미지를 바라보는데 그치지 않고, 회화가 만들어내는 공간 안에 머물며 자신의 호흡과 존재를 마주하도록 초대된다.
정석우 작가는 거대한 자연 안에서 드러나는 규칙성과 에너지의 방향성에 주목하며, 개인이 자연과 사회의 시스템 안에서 적응하고 살아가는 현상을 회화의 원초적인 질감과 색채를 통해 탐구한다. 특히 비, 바람, 빛, 기온과 같은 자연의 기후 요소는 회화의 보존에 있어 민감한 변수이지만, 작가는 오히려 이러한 외부 조건을 작업 과정에 적극적으로 개입시키는 방식을 실험해왔다. 유화를 주요 재료로 사용하면서 때로는 작업실 마당과 같은 외부 공간에서 채색을 진행하고, 계절에 따라 완전히 마르지 않은 화면에 눈과 비를 맞게 하거나 얼고 녹는 과정을 그대로 수용한다. 이 과정에서 변화하는 화면을 지속적으로 관찰하고 그 흔적을 채집하며, 물감이라는 물질이 외부 환경과 만나 얼마나 숙성되고 변질되는지를 관찰한다. 여기서 회화는 더 이상 독립된 하나의 이미지에 머무르지 않고, 자연의 조건과 공간의 특성, 시간의 흐름, 관람자의 감각과 관계를 맺으며 새로운 경험을 만들어내는 매개가 된다. 정석우 작가의 작업은 이러한 과정을 통해 회화의 환경과 관람의 조건을 재고하고, 공간과 의식이 만나는 지점을 확장해나간다.
Vidi Gallery presents <One Day, the Light Moves Slowly>, a two-person exhibition by artists Jinyoung Kim and Seokwoo Jung, from October 1 through October 22. The exhibition explores how painting engages with the presence of nature through the relationships between emptiness and accumulation, change and trace. Working in distinct ways to investigate materiality and environment, the two artists expand the painted surface beyond a fixed image, transforming it into a space where time and sensation linger, unfold, and change. Empty spaces, accumulating matter, and traces left by chance come into tension with one another, creating a rhythm through which the relationship between nature and the human condition emerges anew. As viewers engage with the works, they are invited to discover meanings concealed beyond familiar images, within the ongoing flow of change.
Jinyoung Kim explores the relationships between emptiness, materiality, light, time, and existence. Rather than representing nature, Kim translates the experience of observing and contemplating it into an abstract language of horizontal structures, accumulated matter, and open space. At the center of the artist’s current practice is the concept of heosilsaengbaek (虛實生白), which Kim independently reinterprets through painting as the idea that “emptiness can become a generative space.” The open areas of the canvas are not treated as passive backgrounds or signs of absence. Instead, they function as active fields in which light, air, time, and perception can emerge.
The horizontal compositions do not depict any particular landscape. Rather, they establish a threshold between earth and sky, density and openness, presence and absence. Matter accumulated along the lower portion of the canvas lends the work weight and grounding, while the open space at its center creates what the artist describes as a “field of breathing.” Ultimately, Kim’s paintings propose a quiet yet active space in which material presence and emptiness coexist. Viewers are invited not simply to look at an image, but to remain within the space generated by the painting and to encounter their own breath and sense of presence.
Seokwoo Jung focuses on the patterns and directional forces that emerge within the vastness of nature, exploring how individuals adapt to and exist within the systems of nature and society through the raw textures and colors of painting. Elements of climate—rain, wind, light, and temperature—are highly sensitive variables when it comes to the preservation of a painting. Yet Jung has instead experimented with actively allowing these external conditions to intervene in the making process. Working primarily with oil paint, the artist sometimes paints in outdoor spaces such as the courtyard of the studio, and, depending on the season, allows snow and rain to fall onto surfaces that have not yet fully dried, embracing the processes of freezing and thawing as part of the work itself.
Throughout this process, Jung continuously observes the changing surface and collects the traces left behind, examining how paint as a material matures, transforms, and deteriorates through its encounter with external conditions. Here, painting no longer remains an autonomous image. Instead, it becomes a medium that forms new experiences through its relationships with natural conditions, the qualities of a given space, the passage of time, and the viewer’s sensory perception. Through this process, Jung’s work reconsiders the environmental and perceptual conditions of painting and viewing, expanding the space where physical space and consciousness converge.